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Si pudiera hacer una escultura sin materia, sería un hombre feliz.
Apel·les Fenosa
En 2061 volverá a pasar por el planeta tierra el cometa Halley. Este astro errante, mensajero del fin del mundo, fue visto por Apel·les Fenosa con 11 años recién cumplidos gracias al geógrafo Pau Vila, promotor de la Escuela Horaciana, quien llevó a sus alumnos a observarlo a las afueras de Barcelona como parte de nuevas formas de pedagogía.
La exposición propone enfoques inéditos a la obra de Fenosa, basados igualmente en nuevos criterios curatoriales que se expanden por las instalaciones de la fundación, posibilitando incluir en su recorrido la nueva museografía, el jardín y el porche de la primera planta.
Como eje curatorial, se plantea un salto entretiempos del futuro al pasado. En el umbral del dominio de la computación y los algoritmos, perviven propuestas visionarias que ya planteaban en siglos precedentes los enigmas humanos de los tiempos por venir. Entre la distopía y la intuición de espacios temporales y vórtices que saltan entre futuro y pasado y viceversa, es posible generar nuevas formas relacionales desde la institución-museo.
Aunque Fenosa fue un creador forjado en las corrientes clásicas y sumergido en los círculos vanguardistas de Paris desde los años 20, su trayectoria se apartó de estas corrientes estilísticas para desarrollar un sistema creativo alejado de circuitos y modas. Fue muy próximo a los valores de la naturaleza y de lo medioambiental y, además, sufrió muy de cerca algunas de las peores guerras del siglo XX, lo cual se percibe en su peculiar universo. En el film La jetée de Chris Marker (1962), un hombre vuelve del futuro para transitar su propia muerte ante la mirada del niño que fue.
El proyecto sostiene un diálogo entre la obra de Fenosa y artistas contemporáneos que también se significan por inquietudes comunes: Fabiana Barreda, Anna Dot, Joaquín Jara, Eduardo Kac, Lugán, Michael Najjar, Marina Núñez, Saioa Olmo, Perejaume, Marcel Pey y Mapi Rivera.
Futureland Heavenland, 2023
Fotografía digital.
Con la serie de Futureland, Fabiana Barreda concibe una reconstrucción de cuerpos de mujer con interfaces low y high tech a modo de seres en mutación que se adscriben como una tabla de salvación a la naturaleza. Así, el medio ambiente es un hábitat de resiliencia y cuidados. Sus prototipos femeninos son avatares de la artista como cuerpos erotizados e idealizados que dialogan con aquellos otros cuerpos femeninos fenosianos a través de los tiempos.
Seven Avatar. Ecosistemas Virtuales, desde 2020.
Filtros interactivos de Instagram.
Avatares generados por realidad aumentada a través de filtros de Instagram involucran al espectador en sus universos interactivos. Son ficciones del cuerpo contemporáneo inmerso en una naturaleza idealizada y artificial. Este sujeto digital de su persona llamado “Seven” durante la cuarentena COVID-19 le permitió generar un diario digital en Instagram.
Pareja Buda, 2013.
Reproducción en vinilo.
La pieza forma parte de una serie llamada Arquitectura cósmica, un trabajo en proceso donde se abordan la espiritualidad, los chakras y los cuerpos masculinos y femeninos como campos de energía en permanente construcción. Un nuevo imaginario en el que la artista traza, a modo de performance, líneas que enlazan canales del cuerpo humano como dibujos de luz y donde integra la performance con el dibujo iniciático y ritual.
Cortesía de la artista.
FABIANA BARREDA (Buenos Aires, Argentina, 1967) es una creadora multimedia pionera en el uso de las nuevas tecnologías, a partir de las cuales construye proyectos interdisciplinarios entre arte y ciencia especialmente. Performer y teórica interesada en disciplinas como la arquitectura, la psicología, la sociología y la biopolítica, su imagen-avatar adopta diferentes formas en su trabajo artístico creando alter egos siempre desde una óptica feminista que interroga los cánones ideales.
Respostes, del proyecto Et preguntarem, com si sapiguessis respondre, 2023.
Estaño, dimensiones variables.
Crèdit de la imatge: Roberto Ruiz
En el marco de una investigación sobre los lenguajes no humanos y las formas de comunicación con el agua, a través de un ritual de inspiración celta, Anna Dot presenta posibilidades para obtener manifestaciones del agua. Por ello, las piezas proceden de la idea de ritual que invita al espectador a otro tipo de visión o relación con los medios acuáticos.
Cortesía de la artista. Agradecimientos a Bombon Projects.
ANNA DOT (Vic, 1991). Sus proyectos se definen a partir de interrogantes que exploran combinando prácticas de investigación con procesos artísticos diversos los cuales se resuelven en performances, videos e instalaciones. En su trabajo aborda especialmente la traducción y el impacto que el lenguaje tiene en nuestras formas de vivir, de relacionarnos y de percibir el mundo.
Apunte de manos Efesia, 2022.
Madera, alambre, papel, barro y cola, 23 x 19 x 8 cm.
Los materiales utilizados se enraízan en el reciclaje y el compromiso medioambiental y ejercen extraños vínculos con el inconsciente en un personal lenguaje que, como el de Fenosa, trasciende corrientes y estilos. Las manos como extremidades gestuales y simbólicas se adscriben a referencias de iconos reconocibles en la historia del arte antiguo e igualmente al object trouvé contemporáneo.
Apunte, 2017.
Escayola articulada y cuerda, medidas variables.
La corriente surrealista comenzó con un uso de cuerpos fragmentados, cuerpos rotos entre lo onírico influenciado por el psicoanálisis y las consecuencias para aquellos artistas que vivieron las guerras del siglo XX. Cuerpos hibridados y articulados que como el ser de Apunte se abandonan a la inclemencia de la naturaleza y al paso del tiempo. Las obras de Joaquín Jara están concebidas para no permanecer y establecer un diálogo continuo con factores transformadores del espacio, sus esculturas parten del proceso estacional, el paso del tiempo y las afectaciones mutuas entre los agentes humanos y no humanos, que interactúan con la escultura hasta (re)apropiarse de ella.
Brazo de Baal, 2022.
Madera de roble con extremo carbonizado, cuerda, 58 x 15 x 26 cm.
Baal (también denominado “Ba’al”) era un dios cananeo-fenicio asociado a clima y citado en el Antiguo Testamento. Su poder es el de un dios atmosférico vinculado a la fertilidad de la vegetación, especialmente de las tormentas de lluvia. Gesto, forma y color, así como la disposición como elemento votivo, dotan a la pieza de nuevas interpretaciones en el contexto del Porxo Blau que igualmente cobijaba históricamente objetos simbólicos.
JOAQUÍN JARA (Sabadell, 1977) es un artista y escultor ambientalista. Su práctica artística gira en torno a acciones y retratos escultóricos en un entorno natural donde toman sentido a través de intervenciones de carácter ritual, donde los conceptos de identidad, patrimonio, ecología y sostenibilidad se entrelazan en creaciones escultóricas efímeras.
The singularity.
Video HD 16:9, 5’12”.
Esta pieza de videocreación pertenece a la serie Bionic Angel (2006-2008), un trabajo visionario sobre posibles mundos de tecnología, alter-mitología y ciencia-ficción.
El eje de la pieza gira en torno a la transformación futura y el control tecnológico de la evolución humana. El vertiginoso ritmo de desarrollo en el campo de las tecnologías “G-R-I-N” (genética, robótica, información y nanotecnología) está cambiando nuestros cuerpos, nuestras mentes, nuestros recuerdos, nuestras identidades e incluso nuestra posteridad. La obra anuncia el control de la evolución humana a través de algoritmos genéticos y redes neuronales y podrán elevar al ser humano a una forma de existencia nueva y muy superior. El águila encarna a Zeus, el privilegio divino de la creación. La máquina representa el control tecnológico de la creación.
Cortesía del artista.
MICHAEL NAJJAR (Landau, Alemania, 1966) desde muy temprano a través de la fotografía y el vídeo, el autor ha abordado de manera compleja y crítica los desarrollos tecnológicos que están definiendo y cambiando drásticamente el comienzo del siglo XXI. Combina ciencia, arte y tecnología para crear visiones artísticas y utopías de futuros órdenes sociales que emergen bajo la influencia de las nuevas tecnologías. Najjar cuestiona continuamente la relación entre realidad y simulación.
Mano Térmica de Artista, 1973.
Aluminio y componentes eléctricos.
Lugán creó dispositivos innovadores para su tiempo, de manera que el público pudiera tocar la obra y sentirla, algo prohibido hasta entonces en cualquier exposición. A finales de la dictadura franquista, concretamente en 1973, el artista profundizó en las técnicas de la robótica para crear esta Mano Térmica. Además de toda la simbología que la mano tiene en la historia del arte, ésta es también un elemento singular, medio y recurso, utilizado con suma importancia en la obra de Fenosa.
Cortesía de New Art Foundation, colección BEEP de arte electrónico.
LUGÁN / LUIS GARCÍA NÚÑEZ (Madrid, 1929 – 2021) es uno de los pioneros en la creación multimedia y sonora. Gracias a los conocimientos de electrónica adquiridos durante su trabajo en la compañía Telefónica, a partir de 1967, comenzó a aplicar lo aprendido desarrollando sus primeras obras audiovisuales y táctiles con luz, sonido, temperatura, campos de alta frecuencia o láser.
Adsum, 2019 – en progreso.
Vidrio óptico grabado con láser, 1 x 1 x 1 cm.
Concebida para la luna, Adsum es una escultura de pequeño tamaño en cuyo interior se han grabado símbolos a modo de códigos encriptados formando un poema espacial. El poema dentro del cubo se puede leer en cualquier dirección.
“Adsum” significa «Aquí estoy» en latín, usado para indicar que el hablante está presente. Una de las piezas de la serie viajó a la Estación Espacial Internacional en 2022 y se prevé que llegue a la luna a bordo de un módulo de aterrizaje en 2025, hecho que indica la etapa final de este proyecto en curso que ha evolucionado a lo largo de cinco fases.
Eduardo Kac (Río de Janeiro, Brasil, 1962) ha creado como pionero trabajos digitales, holográficos y online, que anticiparon la cultura global en la que vivimos hoy. En 1997 el artista acuñó el término “Bio Art” con proyectos sorprendentes y premonitorios. Actualmente ha continuado avanzando con una línea de investigación centrada en el espacio con proyectos como Ágora (1986-2024) o Inner Telescope (2017), un trabajo realizado con la cooperación del astronauta francés Thomas Pesquet.
Sin piel, 2022.
Vídeo monocanal en loop, sonido.
Música de Luis de la Torre.
A través de diferentes programas informáticos la autora configura seres poliédricos que se transforman ante la mirada del espectador. La irrealidad de estos no retratos de mujeres de piel incómoda, tensa y desajustada nos enfrentan ante el ser, su proyección y la fragilidad de la propia imagen. Modelar y reconstruir con la materia digital.
Cortesía de la artista.
MARINA NÚÑEZ (Palencia, 1966) comenzó con la pintura y la fotografía configurando seres diferentes, aberrantes, monstruosos, los que existen al margen o en contra del canon. En la autora, los cuerpos anómalos remiten a una identidad metamórfica, híbrida, múltiple. Recrea una subjetividad desestabilizada e impura para la que la otredad no es algo ajeno.
Monument aux martyrs d’Oradour-sur-Glane, base i fuego de la escultura monumental, 1944.
Yeso.
El 10 de junio de 1944, la 3ª compañía del 1r batallón del regimiento Der Führer de la División SS Das Reich del Waffen SS, en retirada, entró en la villa francesa de Oradour-Sur-Glane y masacró a la población civil. Fueron asesinadas 642 personas, de las cuales, 190 hombres fueron fusilados y 245 mujeres y 207 niños y niñas fueron disparados y quemados vivos en la iglesia.
Ese mismo año, las Fuerzas Francesas de Interior encargaron a Apel·les Fenosa un monumento en memoria de los mártires de Oradour-Sur-Glane. En el monumento representa una mujer embarazada con los brazos en alto, siendo devorada por las llamas, aludiendo directamente al martirio de las víctimas.
La obra fue elaborada en dos etapas por Fenosa en su taller del Boulevard Saint Jacques, en París, durante el invierno de 1944-1945: primero, una maqueta y, luego, una versión monumental de casi cuatro metros de alto. La obra en bronce fue depositada en el Museo de Art Moderno de París y el monumento no fue erigido en el lugar determinado hasta el 25 de junio de 1999, 55 años después. Las piezas originales en yeso llegaron al Vendrell desde París.
APEL·LES FENOSA (Barcelona, 1899 – París, 1988).
Sinapsis, el bosque interior, 2015.
Sinapsis. Serie Verano IV y VI (Playa de Famara), 2013.
Fotografía sobre papel Hahnemüle Rag Baryta.
Ubicar el cuerpo femenino en la naturaleza para explorar límites de conexión con las realidades paralelas que no son comúnmente percibidas por las personas, son elementos claves de esta serie de obras producidas en diferentes playas. Esta sinapsis alude a una sinapsis mística, en la que los rayos de luz, energías cósmicas sutiles, se unen con firmeza al corazón, ojo interior de la persona visionaria, sumiéndola en el ensimismamiento, el arrobo o el éxtasis.
Cortesía de la artista.
MAPI RIVERA (Provincia de Huesca, 1976) es artista y poeta. Practica un tipo de arte corporal en equilibrio entre inmanente y trascendente tomando referencias del misticismo y utilizando la armonía del cuerpo femenino para remarcar el fuerte vínculo que existe entre los humanos y la naturaleza. La artista define su trabajo como corporal y místico, pues en él utiliza el cuerpo desnudo como punto de unión entre la belleza de éste y la paisajística. Además, Rivera forma parte del grupo de investigación Visionary Women Art.
The Burning Blade, 2018.
Neón con tubo de luz roja, 150 x 200 cm.
Las palabras The burning blade (el filo ardiente) se inscriben en las formas gráficas de un neón que ha formado parte de diversas exposiciones y situaciones dentro de la escenografía suburbial de Marcel Pey, Aquí se dispone en referencia a la naturaleza en creciente destrucción, lo que interpela a la llamada al respeto medioambiental inherente a toda obra de Fenosa, especialmente en dialogo con la escultura La flamme.
Col·lecció Nacional d’Art Contemporani. Generalitat de Catalunya. Museu d’Art Modern de la Diputació de Tarragona.
MARCEL PEY (Cardona, 1948), poeta y artista visual vinculado al arte conceptual, utiliza en su trabajo creativo diferentes disciplinas como el cine, la literatura y la fotografía, hasta apropiarse de un lenguaje de síntesis e integridad híbrida. Con ello, se adentra en los límites de la imagen, en un universo fantasmagórico próximo a la ciencia ficción donde la realidad se nos presenta travestida o desmembrada en espacio y tiempo.
PEREJAUME
Sant Pol de Mar, 1957
Pedra, 2022.
Escultura de piedra, fotografía y vídeo de documentación. Escultura 20 x 38 x 22 cm, vídeo sin sonido, 16’05’’.
Pedra muestra a través de la erosión producida por el agua, como un capitel originario del siglo XVII (procedente del Palau de Centelles en Barcelona) se convierte en una forma que vuelve a sus orígenes y toma como modelo una piedra encontrada en la riera de Balà, cerca del pantano de Sau (Osona). Perejaume juega con la confusión entre la creación humana y el deterioro provocado por las fuerzas de la naturaleza, mostrando, con teatralidad barroca, la relación entre dos elementos naturales.
Cortesía del artista y la galería Prats Nogueras Blanchard.
PEREJAUME (Sant Pol de Mar, 1957) es un creador multidisciplinar que, desde los años 70, elabora proyectos sobre la dualidad de naturaleza-cultura, especialmente interesado en el paisaje. Para él, el ser humano forma parte del paisaje como un agente más en su conformación y evolución, como si se hubiese acelerado el tiempo geológico. A través de esta aproximación, la relación con el paisaje se examina desde diversos puntos de vista no exentos de ironía, aportando, así, nuevas redefiniciones al mismo.
SerSusurro, 2020-2024
Técnica mixta, medidas variables.
Los libros-planta funcionan como una tecnología biopoética para conservar mensajes de cara al futuro. En este elemento híbrido, las plantas viven dentro de las historias que nos proponen las ediciones bibliográficas: relatos, susurros y experiencias vivas que se van sumando y construyen un recorrido. Entre la sostenibilidad medioambiental y un futuro imprevisible, los libros en las bibliotecas serán un reservorio de las memorias. Una acción de baja frecuencia (low tech) pero de alta intensidad (la trascendencia del conocimiento).
Cortesía de la artista.
SAIOA OLMO (Bilbao, 1976) analiza cuestiones ligadas al comportamiento y a las relaciones humanas a través de elementos que tienen un valor potencial que Saioa identifica y recupera. En su trabajo analiza conceptos ligados al comportamiento y a las relaciones humanas a través de elementos que tienen un valor potencial de revisión y puesta en valor. Con su práctica artística explora las interacciones sociales: las transacciones, transferencias y transiciones que se generan en ellas.
Museu Apel·les Fenosa © Fundació Privada Apel·les Fenosa, 2024.